Artists paid less than £3 an hour for public art commissions, report finds

Les travailleurs les moins bien payés du secteur de l’art public au Royaume-Uni sont souvent ceux qui créent l’art.

C’est la conclusion qui donne à réfléchir, sinon totalement la surprise, à tirer de Structurellement baisé, un rapport récemment publié sur la rémunération et les conditions des artistes commandé par une, la plus grande association d’artistes de Grande-Bretagne. Compilé par Industria, une organisation dirigée par des artistes qui “examine et défie” les conditions dans le monde de l’art, le rapport est basé sur 104 réponses anonymes au projet Artist Leaks, qui a interrogé des artistes sur leurs expériences de travail sur des commandes publiques au Royaume-Uni.

Les données recueillies révèlent « une culture de faibles honoraires, de travail non rémunéré et d’exploitation systémique », selon le rapport. Parmi les principales conclusions, les artistes gagnaient un salaire médian de 2,60 £ par heure, bien en deçà du salaire minimum britannique de 9,50 £ par heure (au moment de la recherche). Les honoraires forfaitaires étaient une forme de paiement courante, ce qui fait que 74 % des répondants ont déclaré qu’ils estimaient que le cachet de l’artiste était « injuste » par rapport au nombre d’heures travaillées ; 76 % ont déclaré que leurs honoraires étaient inférieurs au salaire minimum.

“C’est un rappel brutal de la précarité des carrières d’artistes”, explique Julie Lomax, la directrice générale d’un, qui compte environ 30 000 membres. « Vous pouvez garder le marché confiant et vous assurer que la bulle du marché n’éclate pas. Le problème est dans le secteur public », dit-elle, consciente qu’en 2022, le marché de l’art britannique a rétabli son statut de deuxième au monde, selon le dernier rapport annuel sur le marché de l’art d’Art Basel et d’UBS. “Les arts visuels sont structurellement sous-financés”, ajoute Lomax.

Depuis 2008, le financement public des arts en Grande-Bretagne s’est contracté de 35 %, les dépenses des gouvernements locaux pour les arts ayant chuté de 45 %, selon le rapport. Le financement des arts visuels en Angleterre est un mélange fragmentaire de subventions du Département gouvernemental du numérique, de la culture, des médias et des sports (DCMS), complété par le soutien des autorités locales.

Grâce à l’orgueil cataclysmique du secteur financier britannique, de septembre 2007 à décembre 2009, le gouvernement travailliste de l’époque s’est retrouvé à dépenser 137 milliards de livres sterling d’argent des contribuables pour renflouer des banques, selon la Bibliothèque de la Chambre des communes. Bien qu’en janvier 2018, 114 milliards de livres sterling aient été récupérés, les administrations conservatrices restent déterminées à «équilibrer les comptes» en réduisant les dépenses publiques aux niveaux national et local partout où elles le peuvent. Le financement des arts est l’une de leurs cibles les plus faciles, avec des résultats prévisibles.

Résumant son expérience récente d’un projet commandé publiquement dans l’ouest de l’Angleterre, qui correspond à de nombreux témoignages anonymisés dans Structurellement baisé, l’artiste Dominic de Luton dit : « Mal payé. Projet abandonné au dernier moment après un an de travail. Les fonds restants, s’élevant à 50 %, sont utilisés pour le programme de l’organisation, et non pour le projet commandé. Manque de professionnalisme. Une demande de l’artiste pour un contrat refusé par l’organisation.

Mais en soulignant le peu de revenus des artistes, le rapport joue-t-il par inadvertance en faveur de la réduction des coûts du gouvernement conservateur?

Bas de tableau

En 2020, l’Institute of Fiscal Studies et le Department of Education ont publié une étude qui montrait les arts créatifs au bas du tableau des résultats des revenus des diplômés du Royaume-Uni, alimentant les perceptions négatives de celui-ci comme un diplôme de « faible valeur ». Cela n’a fait que renforcer les conclusions de l’examen 2019 du gouvernement sur l’éducation et le financement post-18, présidé par l’ancien banquier d’investissement Philip Augar, qui a montré que les arts créatifs étaient le sujet de diplôme qui coûtait le plus cher au gouvernement en prêts étudiants non remboursés. Tout en reconnaissant que les arts créatifs “apportent une forte contribution à l’économie”, le rapport se demande si “le simple nombre d’étudiants” qui suivent ces matières constitue “un bon rapport qualité-prix pour l’argent des contribuables”.

En 2021, le gouvernement britannique a poursuivi son projet de réduire de 50 % le financement des cours d’art et de design. Cette année-là, lorsque Rishi Sunak, un autre ancien banquier d’affaires, était chancelier, le Gardien a rapporté une source proche du gouvernement disant que “le Trésor est particulièrement obsédé par le rendement négatif dans les matières des arts créatifs”.

Le secteur des industries créatives a contribué à hauteur de 109 milliards de livres sterling à l’économie britannique en 2021, selon les propres chiffres du gouvernement. Le secteur des services financiers a contribué 174 milliards de livres sterling la même année. Mais, comme Martin Wolf, le principal commentateur économique du Financial Timessouligne dans son livre récemment publié La crise du capitalisme démocratique, « Le secteur financier gaspille à la fois des ressources humaines et réelles. C’est en grande partie une machine d’extraction de rente. Le renflouement de 137 milliards de livres sterling des banques britanniques en faillite en 2007-2009 représentait-il un bon rapport qualité-prix pour l’argent des contribuables ?

Un secteur privé lucratif

Il est important d’exposer le peu d’argent que la plupart des artistes gagnent grâce aux commandes publiques britanniques. Mais, dans un climat politique où les notions de « valeur » sont devenues de plus en plus réductrices, il convient également de souligner que de nombreux artistes gagnent beaucoup d’argent dans le domaine privé.

Au sommet du marché, nous avons le jeune artiste britannique très demandé Jadé Fadojutimi. En octobre dernier à Frieze London, la présentation solo de Gagosian de six nouveaux résumés de Fadojutimi s’est vendue 500 000 £ chacun. Si la répartition traditionnelle 50-50 galerie-artiste avait été observée, Fadojutumi aurait gagné 1,5 million de livres sterling sur un seul stand lors d’une foire d’art.

“Bien sur elle”, dit Lomax. “Mais c’est un très petit pourcentage d’artistes.”

Certes, mais grâce au prix toujours croissant sur le marché primaire des œuvres contemporaines aux noms convoités, une cohorte importante d’artistes britanniques, dont beaucoup ont moins de 40 ans, pourraient gagner au moins 200 000 £ par an grâce aux ventes des galeries.

Et puis, plus bas dans l’échelle des prix, il y a la façon dont Instagram et les initiatives en ligne telles que Artist Support Pledge (ASP) ont transformé le pouvoir d’achat des artistes sans représentation en galerie. Depuis sa création en 2020, le portail ASP a permis à ses milliers d’artistes participants de vendre pour plus de 100 millions de livres sterling d’œuvres à un prix maximum de 200 £, selon Matthew Burrows, son fondateur.

« Je ne pensais pas que mon travail se vendrait, mais il l’a fait. Ça a juste fait boule de neige. J’avais des listes d’attente pour des œuvres », explique Zarah Hussain, une artiste basée à Londres dont la pratique s’inspire de la géométrie de l’art islamique. Encouragée par son succès sur ASP et Instagram (où elle a vendu des peintures en ligne à des collectionneurs jusqu’à 8 000 £), Hussein a abandonné son travail de productrice de télévision indépendante en 2021 pour devenir une artiste à plein temps. L’année dernière, elle a gagné entre 35 000 et 40 000 £ et a été embauchée par la Grosvenor Gallery de Londres, qui a exposé avec succès son travail à la foire Art Dubai.

“Je n’aurais jamais pensé que je gagnerais autant d’argent grâce à mon travail”, déclare Hussein, qui siège maintenant au conseil d’administration d’un. « Il faut avoir un chef d’entreprise. Vous ne pouvez pas rester assis et attendre qu’une galerie vienne à vous », ajoute-t-elle. Récemment, pour Ramadan, l’artiste a réalisé une pièce légère pour la succursale londonienne de l’agence de publicité américaine Wieden+Kennedy, pour laquelle elle a facturé 300 £ par jour pendant cinq jours.

Engagement citoyen

Mais certains artistes restent résolument engagés à travailler dans le domaine public. Mark Titchner, qui a été sélectionné pour le prix Turner 2006 et qui aime faire de l’art pour les «lieux que nous partageons», expose actuellement, en collaboration avec la Changing Room Gallery, des peintures énigmatiques de type On Kawara au club House of St Barnabas à Soho au profit des sans-abri.

« Nous savons dans quelle direction va le financement des arts », déclare Titchner. « C’est définitivement de plus en plus difficile. Il existe une hypothèse selon laquelle “si vous n’acceptez pas le travail dans ces conditions, nous demanderons à quelqu’un d’autre de le faire”, ajoute Titchner, qui décrit les conclusions de l’étude Structurellement baisé rapport comme « choquant ».

Le rapport contient cependant des recommandations pratiques pour les artistes afin d’améliorer leurs conditions de travail et de mieux payer, même si les financements publics diminuent : joignez-vous à un syndicat, protégez-vous avec un contrat, tenez un journal des heures travaillées et arrêtez de travailler gratuitement.

Les artistes devraient « assumer une responsabilité collective », dit Lomax. “Il est possible de construire de nouvelles économies d’échange.”

Les artistes le font de plus en plus en vendant leur travail en dehors du système des galeries et en se connectant avec de nouveaux types de mécènes privés. Après tout, ce ne sont pas les artistes qui ont baisé les anciennes structures économiques. Peut-être que le Trésor devrait s’en souvenir.